【詠唱調】

豐碩

【詠唱調】

 

Aria

 

【辭書名稱】舞蹈辭典

 

【類別】：舞蹈與人文

 

音樂術語。

 

詠唱調是一種有獨立作曲形式及樂器伴奏的獨唱曲（有時是二聲部獨唱）。

 

它在歌劇發展史中佔了相當重要的地位。

 

十四世紀時Aria一詞原指一種演唱或演奏的風格，該意義一直維持至十五∼十六世紀，後來逐漸轉變為加入地方性風格之詠唱調：如威尼斯風格詠唱調（VenezianaAria）和拿坡里風格詠唱調（NapoletanaAria）。

 

其旋律的格局與14行詩（Sonnet）的押韻格局相似，相同的旋律配上與詩體結構相同的歌調，反覆誦唱：如〈小曲〉（Canzoneta）和〈鄉村歌曲〉（Villanella）等。

 

樂器伴奏部份是以和聲低音（Romanesca）及Rugiero形式。

 

到了十七世紀，詠唱調發展為歌劇中的獨唱曲，形式較長，其特色為反覆低音曲調（Strophic-Bass），各段歌詞用相同的低音伴奏，每段之間插入樂器過門（Ritorello），孟特威爾第（C.Monteverdi,1567-1643）的歌劇《奧菲歐》（Orfeo）開場白時之詠唱調便是一例。

 

十八世紀中葉後，詠唱調多為三拍子的頑固低音詠唱調（OstinatoArias），特別被使用在輓歌中。

 

反使詠唱調（DaCapoAria）在十七世紀末葉漸受作曲家的重視與喜愛，到了十八世紀，它已有了明確的形式及標準，並被認為能兼顧時間長度使戲劇、詩和音樂得到平衡。

 

反始詠唱調的歌詞之結構形式與詩相同，分兩大段，每段包含三至四行，最後一行終止在重音節上形成押韻。

 

樂曲形式也用兩段式進行：第一段的開始動機為過門樂曲，緊接人聲獨唱，調子從主音開始停在屬音上，再接由屬音開始的過門樂曲、人聲獨唱，最後一段的音樂過門結束在主音上。

 

第二段利用轉調造成對比效果，然後反始從第一段開始，歌唱家在此加入即興式的裝飾音歌唱技巧。

 

這種類似ABA三段式的樂曲極為注重形式的設計，有時為了遷就形式，不惜犧牲歌詞及戲劇的表現，甚至淪為歌唱家展示歌喉的工具，所以後來遭到葛路克（C.W.Gluck,1714-1787）強烈的批評。

 

十八世紀中後期的詠唱調逐漸由其他形式取代。

 

簡略式的反始詠唱調不必從頭反覆，只在音樂過門後從記有反覆記號處反覆便可。

 

另還有與二段式、奏鳴曲式或輪旋曲式的詠唱調，後又出現了新形式《雙詠唱調》（DoubleAria），是以快慢兩種性質對比的歌調合成，使歌唱家能表現兩種對比的情感。

 

十九世紀從羅西尼（G.A.Rossini,1782-1868）以後的義大利歌劇繼續應用雙詠唱調。

 

貝里尼（V.Bellini,1801-1835）、多尼才悌（G.Donizetti,1797-1848）和威爾第（G.Verdi,1813-1901）都成功地應用雙詠唱調並加入重唱和大型合唱，增加場景的聲效。

 

以梅耶貝爾（G.Meyerbeer,1791-1864）為代表的法國歌劇卻不大注重詠唱調。

 

德國在華格納（R.Wagner,1813-1883）之前的歌劇也有不少詠唱調場景，但後來華格納發展完全劇場觀念及主導動機作曲理論，摒棄使用詠唱調。

 

二十世紀的歌劇對詠唱調之應用有所限制，它只由劇中人演唱表達自己所處情境時，如理夏德．史特勞斯（RichardStrauss,1864-1949）的《玫瑰騎士》（DerRosenkavalier）中之男高音抒情調，或作為一種新古典情懷之追憶，如斯特拉溫斯基（I.Stravinsky,1882-1971）的歌劇《浪子歷程記》（TheRake´sProgress）中之詠唱調。

 

 

轉自:http://edic.nict.gov.tw/cgi-bin/tudic/gsweb.cgi?o=ddictionary